domingo, 28 de agosto de 2016

HIJA DE LA KIRGUIZIA SOVIÉTICA SEMIÓN CHIUKOV

HIJA DE LA KIRGUIZIA SOVIÉTICA

Hija de la Kirguizia Soviética
óleo sobre lienzo 120 x85 cm
Galeria Tetriakov


Vasily Ivánovich Chuikov (Васи́лий Ива́нович Чуйко́в; 12 de febrero de 1900 - 18 de marzo de 1982) fue un teniente general del Ejército Rojo de la Unión Soviética durante la Segunda Guerra Mundial y dos veces Héroe de la Unión Soviética (1944 y 1945). Tras la guerra fue nombrado Mariscal de la Unión Soviética.

En la obra de pintor moscovita Sermión Chiukov , ocupan un lugar central las series de cuadros dedicados a la naturaleza y a la vida cotidiana de su patria- Kirguizia-así como las figuras y paisajes de la India , país que visitó repetidamente .

El cuadro Hija de la Kirguizia Soviética- obra central del ciclo creado en pleno período de madurez del arte de Chiurov - es una muestra de la suavidad del estilo artístico del pintor , en el cual se conjugan el elemento decorativo con el estilo
" plein air "y las delicadas gradaciones del aire soleado y la luz .

El pintor construye la unidad del colorido con la figura de la muchacha . una joven natural de Kirguizia que marcha por la estepa soleada con unos libros en la mano y las lejanas montañas sumidad en la neblina . No se trata sólo de la representación de la armonía que reina entre el hombre y el paisaje , el pintor ha creado la encarnación poética de la juventud con la mirada puesta en el futuro.

Mercedes Tamara ( autora )
28-08-2016

Bibliografía : Wikipedia




martes, 16 de agosto de 2016

EL PASEO MARC CHAGALL

EL PASEO 1917-1918



El paseo
óleo sobre lienzo 170 x 168,5 cm
Museo Ruso


Marc Chagall desarrolló un estilo pictórico expresivo y colorista muy vinculado a sus experiencias vitales y a las tradiciones religiosas y populares de la comunidad judía rusa. En él combinó ciertos elementos de la vanguardia cubista, del fauvismo y del orfismo de Robert Delaunay para crear un estilo personal e inclasificable. Hijo mayor de nueve hermanos, se formó artísticamente en la ciudad de San Petersburgo junto a Léon Bakst. En el verano de 1910 se trasladó a París, donde quedó profundamente impresionado por las galerías y Salones de la capital francesa. En los años siguientes expuso en el Salon d’Automne y en el Salon des Indépendants. A través de Guillaume Apollinaire conoció al marchante berlinés Herwarth Walden, que seleccionó tres obras de Chagall para el primer Herbstsalon de 1913 en Berlín y en cuya galería, Der Sturm, presentó su primera exposición individual en 1914

En El paseo es un peculiar autorretrato del pintor, la mujer que flota en el aire , es su mujer Bella , la ciudad de madera es su ciudad natal Vitchsk, imagen que no abandonó a Chagall en toda su obra. En el cuadro se perciben unos detalles vitales concretos :
una tela brillante y una copa- una maravillosa naturaleza muerta- una rama verde cortada por el extremo del lienzo , y un caballo que pace a lo lejos .

Junto a todo esto , aparecen unos elementos mágicos , un romántico desdoblamiento a la manera de Hoffmann. Los hombres y los animales volantes son uno de los motivos preferidos de pintor . La realidad convive en sus cuadros con la fantasía , las manifestaciones de alegría con la escondida tristeza , una percepción del mundo infantil e inocente con profundidad filosófica En el lenguaje pictórico de El paseo 
se entrelazan elementos del neoprimitivismo, cubismo y expresionismo 


Mercedes Tamara
16-08-2016

Bibliografia : Chagall Edic Taschen

sábado, 13 de agosto de 2016

EL BOLCHEVIQUE BORIS KUSTODIEV

EL BOLCHEVIQUE 1920

El bolchevique
óleo sobre lienzo 101 x 141
Galeria Tetriakov


El arte de los primeros años de la revolución , el deseo de expresar la trascendencia y la atmósfera de los grandiosos acontecimientos se reflejó en la propagación de imágenes , símbolos y alegorías . La  fantasía se unía a la gran atención  que prestaban los pintores a los concretos inicios de la nueva vida.

Así el cuadro El bolchevique de Boris Kustodiev , pintado en 1920 , presenta el panorama de una típica ciudad ruso en un soleado día invernal . Transmite la belleza de los edificios , el juego de luz y sombras coloreadas sobre los techos cubiertos de nieve , el dibujo de las ramas de los árboles . El aspecto de las calles, en cambio, es insólito , pues están llenas de soldados y marineros.

La gente avanza tras los jinetes , escucha al orador , rodeando al automóvil , se reúne en grupos , corre con las armas en las manos. Pareciendo emerger de las multitudes humanas , camina por encima de las casas un gigante empuñando una bandera roja . Por doquier ondea la interminable cinta de la bandera , nacen movimientos de masas humanas . Kustodiev representó al gigante bolchevique como la personificación de la revolución popular y al mismo tiempo como a su abanderado que hace despertar la energía del pueblo.


Mercedes Tamara
13-08-2016



sábado, 6 de agosto de 2016

LA PLACE PIGALLE JOAQUIN SUNYER

LA PLACE PIGALLE 1904
La Place Pigalle
óleo sobre cartón 35 x 47,5 cm
Museo de Arte Moderno , Barcelona






Joaquim Sunyer de Miró (Sitges, Barcelona, Cataluña, 22 de diciembre de 1874 - 1 de noviembre de 1956) fue un pintor catalán, considerado uno de los máximos representantes del estilo novecentista. Fue sobrino del también pintor Joaquim de Miró i Argenter.

Criado en el ambiente liberal y creativo de una familia de la burguesía catalana acomodada, pinta sus primeras telas hacia el año 1889 bajo la tutela de su tío abuelo Joaquín de Miró, representante de la escuela luminista de Sitges, entrando a estudiar en la escuela de la Llotja de Barcelona en el año 1890. Allí, entabla amistad con sus compañeros de estudios, Nonell, Mir, Canals o Torres García con quienes comparte admiración y entusiasmo por los dibujantes de Montmartre, como Steinlen y Daumier y que mas adelante serán conocidos como la "Colla del Sofrà", cuyo principal nexo fue, su interés por la modernidad.

Durante la época que permaneció en Paris, los temas predominantes fueron las escenas de la vida cotidiana. Sunyer nos representa los barrios populares y obreros de París. Los personajes son obreros, vendedores ambulantes , indigentes, vagabundos, traperos ,etc. 


Más tarde , hacía principios de siglo , Sunyer inicia otra temática , captadas en los parques y jardines de Paris , enmarcadas en paisajes urbanos , cotidianos y muy bellos , en las que desparece el sentido de denuncia que tienen los grabados de ambiente proletario y queda la pura representación de la vida cotidiana de la época.



Una de las obras que Joaquin Sunyer dedicó a París fue una célebre plaza llamada La Place Pigalle que da título a este cuadro de pequeño formato . Esta plaza es uno de los lugares que atrajo la atención del pintor junto con otras obras -dedicadas a las lugares parisienses que gozaban de celebridad - que realizó hacía 1903- 1905.

El atractivo de las vistas urbanas de París ,así como el dominio de las técnicas que Sunyer había adquirido facilitaba seguramente la comercialización de estas pinturas de formato reducido . Si bien la auténtica personalidad de Sunyer todavía tardaría en manifestarse , en estas obra la seguridad que da el oficio , proporciona ya una gran dominio del color y una amalgama de influencias bien asimiladas.

Con este bagaje se podía haber limitado a pintar unas obras anecdóticas y superficiales y, por el contrario, aplicó su conocimiento a conseguir sintetizar movimiento y atmósfera.

La gama de colores que utiliza Sunyer en esta época se puede apreciar en la obra que comentamos , en la que predominan los ocres y los verdes sobre los que destacan las manchas de rojo, blanco y negro de los vestidos del primer plano . La técnica impresionista y la soltura en las pinceladas , que adquirió con la técnica del pastel , le sirvieron para perfilar un lenguaje muy original 


Mercedes Tamara 
6-08-2016

Bibliografia _ FOROXERBAR 

lunes, 1 de agosto de 2016

LOS TRES JUECES GEORGES ROUAULT

LOS TRES JUECES 1913

Los tres jueces
guache y óleo sobre cartulina 76 x 105 cm
Museum of Modern Art, Nueva York






. Centrado en la temática social, urbana y en muchos caso marginal; sus obras destilan un cierto pesimismo y tragedia, relacionadas con contextos desolados en los que intenta acentuar la angustia y desamparo de sus contemporáneos. Suya es por tanto una pintura oscura, sombría y lejana a la luminosidad o los colores vivos, en la que se reflejan payasos, prostitutas, jueces,... recubiertos en cualquier caso de una sibilina crítica al vicio, la depravación o la atrocidad humana. 

Georges Rouault ( 1871-1958 ) era un pintor católico seguidor de Gustave Moreau dentro de la escuela simbolista. A principios del siglo XX estuvo relacionado con Henri Matisse y los fauvistas , pero en 1913 su estilo y temas eran ya más originales. Su rasgo más característico es el grosor de los contornos negros , que hacen que sus imágenes se parezcan a vidrieras .

Su obra muestra la influencia de Paul Cézanne , Rouault utilizaba el color con atrevimiento e intensidad . Podría decirse que Georges Roualt  es un expresionista inclasificable y, forzosamente reconocible. 

Rouault que era un hombre profundamente religioso , con un idea del cristianismo centrada en el sufrimiento de Jesús y sus oprimidos . Aquí en Los tres jueces los magistrados llevan las togas y birretes del sistema republicano francés , están representados como sacerdotes malvados de una falsa religión , la adoración del Estado y su implacable justicia secular. Pertenecen a una humanidad caída , sin gracia ni belleza . No es una imagen hecha para halagar la vista , sino una invitación a dejarse llevar por el arte a un plano moral y espiritual.

Mercedes Tamara
1-08-2016

viernes, 29 de julio de 2016

HOMBRE Y MUJER EDVARD MUNCH

HOMBRE Y MUJER 1898
Hombre y mujer
óleo sobre lienzo 60, 2 cm X 100 cm
Colección Rasmus Meyer, Bélgica





  Edvard Munch (1863-1944)      El pintor noruego Edvard Munch es considerado un precursor de la tendencia expresionista en el arte moderno. En Alemania y Europa Central Munch fue reconocido pronto como un innovador trascendental, y en el resto de Europa y el mundo entero es cada vez más apreciado. Sus obras más conocidas son las de la década de 1890, pero su producción posterior llama cada vez más la atención, y parece inspirar particularmente a los pintores actuales.




Edvard Munch pasó su infancia y adolescencia en la capital de Noruega, que por entonces se llamaba Cristianía (hoy, Oslo). En su juventud, Edvard Munch vivió con su familia en un barrio humilde de la capital, en condiciones materiales por debajo de su rango social. El padre era un médico castrense profundamente religioso y con ingresos modestos. Cuando Munch tenía sólo cinco años, murió su madre de tuberculosis. De la misma enfermedad moriría su hermana Sophie a los quince años de edad, en 1877. Munch estuvo enfermo con frecuencia. Enfermedad, muerte y dolor son motivos frecuentes en su obra. De su estado emocional sabemos por los escritos del momento:




En el entorno de esta temática se incluye Hombre y mujer (1898). La atracción fatal de los sexos, la amenaza que supone la sexualidad, vuelven a expresarse aquí mediante la sombra oscura y pesada que soprende a la mujer por la espalda y se yergue sobre la cabeza del hombre. Los rostros de ambos los enmarca una aureola de color rojo.

La atracción fatal de los sexos , entorno de esta temática se incluye en esta obra Esta atracción es como una maldición para Munch , dado que el artista tuvo una infancia desprovista de afecto lo que repercutió de forma negativa en sus relaciones con  mujeres. Este cuadro suponía para él una amenaza para su propia sexualidad.

Esta sexualidad es expresada mediante sombras oscuras y pesadas que sorprende a la mujer por la espalda y viene a erguirse sobre la cabeza del varón . La cabeza y el rostro de la mujer se hallan enmarcados en una especie de aureola de color rojo . Desnudo hasta la cintura , el hombre inclina su torso hacía delante y apoya melancólicamente su cabeza sobre el brazo acodado. Justo por el hecho de no conferir facciones propias al rostro femenino ( el rostro del hombre permanece oculto al espectador ) Munch puede prescindir aquí de un tratamiento psicológico del tema.

Mercedes Tamara ( autora )
29-07-2016

Bibliografia : Edvard Munch, Edic Taschen


domingo, 17 de julio de 2016

COMPOSICION 1910 JOAQUIN SUNYER

COMPOSICION 1910 
Composición 1910
óleo sobre lienzo 17 x 66 cm
Colección privada


Esta pintura , fechada en 1910 , es la composición más temprana que se ha podido localizar del artista ,de una serie dedicada a las bañistas . 

En esta obra que comentamos aparecen los elementos más característicos de estas grandes composiciones citadas , tanto en lo que se refiere a las figuras femeninas - una de ellas acompañada , en este caso, por un niño y, junto a la otra , un perro que se repetirá con pocas variaciones en otras obras de esta misma serie -como el característico paisaje de Sitges , representado en esta ocasión, como solía hacer el pintor en aquellos momentos de forma esquemática con la típica vegetación de pitas en el primer término, pinos enmarcados en la composición y matorrales al fondo.


Este tipo de obras , con figuras femeninas desnudas en un paisaje anuncian el nuevo camino artístico iniciado por el pintor en 1909 .En cuanto al tratamiento del desnudo , es interesante observar que, a pesar, de la clara semejanza temática y compositiva de obras anteriores , el aspecto estructurado y musculoso del cuerpo femenino 


Mercedes Tamara
17-07-2016

Bibliografia : Joaquin Synyer, Edit MNAC, Barcelona